Cuando se estudia la historia del documental surge el nombre de D. A. Pennebaker como una referencia inevitable que llevó a reformular la definición y la producción de ese género cinematográfico, inaugurando el movimiento que recibiría el nombre de “Direct Cinema”.

Aquí cabe hacer la reflexión sobre cuanto puede modificar una nueva tecnología el hecho artístico. Hasta ese momento, realizar un documental traía inherentemente la necesidad de realizar un doblaje durante la etapa de postproducción. Esto era derivado del hecho de que el registro del sonido en 35 mm. requería la insonorización de la cámara por el ruido que realizaba el motor, lo que llevaba a un aumento del volumen y peso del equipo conspirando contra de la movilidad que exigía generalmente la grabación documental, supeditada al registro en contextos y condiciones que no se podían elegir, derivadas del tema cubierto.

Existentes con registro silente a mediados del siglo surgen y se perfeccionan las cámaras de 16 mm. con registro de sonido magnético. Esto llevó a cámaras mas pequeñas y ligeras, menos ruidosas y por ello mas ubicuas.

Hasta aquí todo parece ser la descripción de modificaciones de la tecnología utilizada pero las mismas habilitaron un registro más libre, más apegado a los hechos, más cercano a los personajes.

El gran mérito de Pennebaker fue aprovechar estos avances para profundizar la instancia de realidad que proponía el documental. Convertirse como diría uno de sus colegas y compañero, Richard Leacock, en una ”mosca en la pared” aludiendo a cierta instancia testimonial objetiva e invisible para los actores inaugurando la vertiente “observacional” del género. Pennebaker se ha encargado de resaltar el hecho de que, finalmente, todo relato cinematográfico resulta de una serie de acciones y elecciones deliberadas del realizador y que lo “espontáneo” de cualquier narración fílmica, generalmente surge luego de estas manipulaciones, en contradicción con el carácter improvisado que parece detentar este tipo de relatos. Era imposible pensar que un equipo de 3 personas como el que requería en ese momento la cámara y el sonido pasara desapercibido para los personajes registrados.

No es una virtud menor entonces haber llevado al documental a ser un género más vívido, más ”real” a partir de esa impronta aparentemente menos trabajada.

Con su Don’t Look Back, sobre la gira inglesa de Bob Dylan, Pennebaker renovaría el género (crearía un subgénero nuevo, el rockumentary). Sus tomas largas, sin cortes, profundamente auténticas, su registro de aquello que hasta ese momento era “lo no narrativo”, es decir de aquellos momentos en donde “no ocurría nada”, los «tiempos muertos», acentuaba la veracidad de su relato; su cámara en mano que resignaba la prolijidad de la grabación a lo verdadero de la situación, sus personajes que ya no hacían extensas declaraciones a cámara dado que sus dichos eran tomados de la interacción con su pares en el mundo registrado; todas fueron decisiones que aumentaron el carácter de “verdad” del documental.

Con Pennebaker no sólo desaparece uno de los referentes de una época fundacional e innovadora del documental, sino también una forma de ver el mundo, una curiosidad ontológica sobre lo humano, sobre sus riquezas, sus tiempos y contradicciones que hoy ya echamos de menos.

A continuación un artículo que condensa parte de la trayectoria de D.A.Pennebaker

Adiós a D.A. Pennebaker

Fue uno de los grandes documentalistas de los EE.UU.

A los 94 años murió uno de los creadores del «direct cinema», cronista esencial de su época y autor de clásicos como Monterey Pop y el legendario Don’t Look Back, sobre Bob Dylan.

Cuando, en la próxima entrega de los premios Oscar, el enorme cartel del In Memoriam registre fugazmente la imagen de D. A. Pennebaker –ganador de una estatuilla honorífica por su trayectoria–, la famosa expresión “la magia del cine” adquirirá de pronto un significado no tan evidente. Es que el cine de este documentalista nacido en 1925 y fallecido este último sábado no puede ligarse a los conceptos usuales de la suspensión de la credibilidad y la teletransportación del espectador a un mundo de ficción tan real como la realidad, o más grande que ella. La materia primordial de sus creaciones siempre fue la realidad en sí misma, registrada paciente y concienzudamente, aunque transformada por el poder del lente de la cámara y los cortes y zurcidos del montaje. Dos de sus películas más geniales e influyentes, Don’t Look Back y The War Room, epitomizan de algún modo dos de las obsesiones centrales de toda su carrera: lo que ocurre en los escenarios públicos de la política y la cultura popular y aquello otro que queda relegado a las bambalinas. Con la muerte de Donn Alan Pennebaker a los 94 años muere también una de las figuras esenciales del así llamado «Direct Cinema» en su vertiente estadounidense, un cronista de los cambios en la sociedad de su país y un referente ineludible del cine documental de la segunda mitad del siglo XX.

Hijo de un fotógrafo profesional, nacido en la ciudad de Evanston, en Illinois, aunque criado en Chicago, luego de la Segunda Guerra Mundial el joven Pennebaker se recibió de ingeniero en la Universidad de Yale. Carrera abortada que, sin embargo, sería muy útil algunos años más tarde, cuando comenzó a desarrollar métodos para perfeccionar el sincronismo de las imágenes de su cámara compacta de 16mm con el sonido que obtenía gracias a un magnetoscopio Nagra. Su primer corto experimental de 1953, Daybreak Express, ofrece imágenes de la ciudad de Nueva York con fondo sonoro de un tema de Duke Ellington, primer atisbo de una fascinación con las diversas formas de la música popular que nunca abandonaría. Luego de fundar la productora Drew Associates junto a Richard Leacock comenzó a producir una serie de “reportajes” noticiosos, influenciados tanto por el fotoperiodismo moderno como por los primeros esfuerzos de Jean Rouch, en Francia, y los documentales producidos del otro lado de la frontera por el equipo del National Film Board of Canada. En 1964, el joven cineasta registró el casamiento de Timothy Leary y posterior fiesta en la mansión neoyorquina de Alfred Hitchcock, otro ejemplo de crónica social con una cercanía e intimidad a los sujetos/ protagonistas envidiable.

De visita en el Bafici en 2007, en ocasión de un homenaje y retrospectiva de algunas de sus películas, Pennebaker se cansó de explicar, a cuanto periodista se lo preguntara, acerca del origen, causas y consecuencias de la expresión “mosca en la pared” –acuñada, según la leyenda, por Leacock, uno de sus colegas inseparables en los primeros años 60–, referida a la idea del documentalista como alguien casi invisible que, simplemente, se dedica a observar lo que ocurre alrededor desde un puesto cercano a lo ideal. A este cronista, el cineasta le argumentó en aquel momento que la etiqueta de “cine observacional” parece dar la idea de que el realizador prende la cámara y deja que las cosas ocurran. “En realidad, todos los aspectos de una película son el resultado de miles de elecciones creativas, desde el momento del rodaje hasta la edición”. Primary, el célebre film que registró las elecciones primarias de 1960 que llevarían finalmente a la presidencia a John F. Kennedy, dirigido por Robert Drew de forma colaborativa junto a Pennebaker, Leacock y Albert Maysles, es un buen ejemplo de ese estilo de “cine directo” que luego aplicaría a otra clase de proyectos.

Cuando Bob Dylan recién comenzaba a electrificarse, Pennebaker fue testigo directo de la gira británica del músico, a quien acompañó tanto sobre los escenarios como fuera de ellos. Don’t Look Back –convertida con el paso del tiempo en tótem del rockumentary y en registro invaluable de toda una era– es el comienzo de un romance con el documental musical que lo llevaría a trabajar junto a con músicos de la talla de David Bowie (Ziggy Stardust and the Spiders from Mars), The Who, Janis Joplin, Jimmy Hendrix y Ottis Redding, entre otros (Monterey Pop), Brandford Marsalis (The Music Tells You), Depeche Mode (101) y Jerry Lee Lewis, sentando las bases, primero, y afianzando luego un estilo de registro de recitales en vivo que hasta el día de hoy sigue siendo ítem imprescindible de referencia. Presente en el film con Dylan, el famoso segmento en el cual una serie de carteles escritos a mano acompañan la letra de “Subterranean Homesick Blues” es usualmente descripto como el primer videoclip de la historia, referencia anacrónica que, sin embargo, su repetición en los años 80 en la cadena MTV no haría más que cristalizar. Fue también D. A. P. quien, un año después de esa gira, capturó el inmortal grito de “Judas”, momento bisagra en el paso del folk al rock eléctrico que es, también, una fotografía de un momento seminal en la historia de la música popular.

Junto a su esposa, la también documentalista Chris Hegedus, Pennebaker continuaría filmando, editando y produciendo largometrajes a lo largo de las cinco décadas siguientes. El seguimiento de la campaña política de Bill Clinton en 1992 daría nacimiento a otro de sus títulos indispensables, The War Room, film concentrado en los responsables de diseñar la estrategia electoral, con todas sus luces y sombras. Más allá de esos temas sobresalientes, su prolífica filmografía incluye películas sobre bailes afroamericanos, la resistencia del bluegrass y el country ante otros géneros musicales más masivos, la vida y la obra del creador de los automóviles DeLorean y hasta un concurso de chefs franceses empeñados en lograr la pastelería perfecta. Su último largometraje, Unlocking the Cage (2016), realizado como siempre junto a Hegedus, registró a lo largo de un par de años la lucha de un grupo de abogados empeñados en conseguir derechos legales para ciertos animales en peligro de extinción. “No es posible apuntar la cámara hacia alguien y descubrir así qué hay dentro de su cabeza, pero permite la segunda mejor posibilidad: que uno pueda especular al respecto”, declaró alguna vez D. A. Pennebaker, frase que resume a la perfección uno de los horizontes de toda su obra: descubrir aquello que parece invisible a los ojos, pero no a la cámara. En otras palabras, la magia del cine.

Fuente: Página 12 – Por Diego Brodersen

Si tenés una colección de video, heredaste o encontraste algunas de estas hermosas cintas marrones, o simplemente sos une fervorose amante del magnético, esta es una calurosa invitación a conocer las técnicas básicas para cuidarles. Problematizando la historia de los acervos audiovisuales y reflexionando sobre cuestiones éticas y políticas de los archivos, procuraremos lidiar durante esta jornada con problemáticas específicas de las cintas de video. Estudiaremos la clasificación de los diversos formatos, sus fallas más habituales, y algunas nociones básicas de restauración y limpieza, buceando también en la manutención de equipamientos. También, propondremos algunas acciones básicas de conservación y mantenimiento de colecciones domésticas de video magnético.
Coordina: Mariela Cantú.

Eleonora y Emilia, dos recepcionistas sumidas en la inercia rutinaria del sistema corporativo encuentran en la nueva cadena de comidas Happiness un recinto libertario. Salir a almorzar será, entonces, una picardía reveladora dentro del estado de opresión y cautiverio que ambas experimentan. ¿Salir de allí o ascender? ¿Cuál es el mapa de lo libre?

Dramaturgia: Florencia Lorenzo y Paula Zaurdo; Intérpretes: Florencia Lorenzo y Paula Zaurdo; Dirección: Nicolás Sorrivas;  Escenografía: Magali Acha; Asistente de Escenografía: Lucía Garramuño; Meritoria de Escenografía: Guadalupe Pavon; Realizador de Escenografía: Nicolás Araniz; Vestuario: Candelaria Lorenzo; Luces:Ricardo Sica; Fotografía: Lucía Bartoletti; Música Original y Diseño Sonoro: Leandro Iglesias; Asistencia de Dirección: Alexis Mazzitelli y Rocio Pérez Valdenegro;Producción: Matcha Cia. Teatral y La Esquina de Siempre; Duración: 50 minutos / Redes del Espectáculo: @happinesslaobra (Facebook / Instagram)

«LOS INÚTILES» (I vitelloni, 1953). Director: Federico Fellini. Elenco: Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Franco Interlenghi. Música: Nino Rota. Duración: 1h 41min.

En una pequeña localidad costera del Adriático, donde todo el mundo es amable y cortés, hay cinco jóvenes que rompen la armonía de la comunidad. Con una evidente carga autobiográfica, Fellini nos cuenta la vida de unos jóvenes de provincia y nos retrata su hastío y tedio. Unos jóvenes ociosos que no hacen nada para trabajar ni ganarse la vida, viven de sus familias y a los que sólo les interesa ir con los amigos y las mujeres.

Un cine moral y humanista pero no por ello menos personal. Precisamente, dado que el cine más personal y profuso de Fellini se caracteriza por el uso de tramas oníricas y turbadoras, esta película se desmarca en buena parte de dichas características. Sin embargo es una obra clave dentro de la filmografía del genial autor.

Una grandísima película que no goza de la fama que merece, quizás por haberse realizado en los inicios del autor y tener un tono bastante diferente a esas otras obras que realizó en su plenitud.

https://youtu.be/L76OA8LzGjk

«Escuela Bomba», la película censurada por el gobierno, desde hoy y todos los Lunes a las 20:00 hs. en el C.C. de la Cooperación, Sala «Raúl González Tuñon», Av. Corrientes 1543, C.A.B.A.

Miércoles 7 de agosto, 20 hs. – PREPAREN LOS PAÑUELOS (Préparez vos mouchoirs, Francia / Bélgica, 1978, color, 109 minutos) Dir.: Bertrand Blier Elenco: Gérard Depardieu, Patrick Dewaere, Carole Laure, Michel Serrault, Eléonore Hirt, Jean Rougerie.

Ganadora del Oscar a la Mejor película de habla no inglesa, nominada a los Globo de Oro.

Raoul no sabe lo que le pasa a su mujer, está depresiva, no tiene ganas de nada, así que recurre a un desconocido para que se convierta en su amante, y sacarla de su depresión.

Blier realiza una comedia sexual entretenida, verosímil y original con un trío de actores extraordinarios y un Gérard Depardieu muy joven y apuesto que se luce en los diálogos precisos del film.

Al mejor estilo francés, se trata de sexo, de amor, y los moralistas no serán felices al observar estas aventuras delirantes, totalmente transgresoras de las convenciones culturales pero perfectamente posibles.

«La comedia social en la obra de Blier es en esencia una comedia sexual: el sexo nos altera, nos pega en la entrepierna y nos ataca por la espalda, a los idiotas les va mejor que a nosotros, y algunos son tan retorcidos que sin importar lo que intentemos hacer por ellos, igual lo arruinan todo. Y el sexo entre hombres y mujeres se mezcla de formas insanas con los deseos infantiles de los hombres y las pasiones maternales de las mujeres. En lo sexual, la vida es una comedia de la Keystone, completamente amoral. No tenemos ningún control sobre qué o quién nos excita» (Pauline Kael).

Emiliano Penelas – Programador

Temporada XII – Cineclub YMCA – www.cineclubymca.blogspot.com

YMCA Argentina – Reconquista 439, CABA

“BEATRIZ PORTINARI – UN DOCUMENTAL SOBRE AURORA VENTURINI”  / Dirección: Agustina Massa, Fernando Krapp / 2013 / 76 min.

A Aurora Venturini no le caben definiciones. Su vida es un compendio de varias vidas llenas de historias fascinantes, algunas reales y otras no. Escuchar hablar a Aurora a los 91 años es placentero: a pesar de ese cuerpo frágil con el que carga, su mente es jovial, audaz, irónica, y muy sagaz. No tiene paciencia, no parecen gustarle las cámaras, en realidad nada tecnológico parece agradarle: dice sin ninguna vergüenza que está esperando el día para destruir su computadora. Sus amigos y conocidos hablan de ella con admiración, y ¿cómo no hacerlo? Amiga de Eva Perón, alumna de Jean Paul Sartre, filósofa de La Sorbonne, escritora, autora de más de treinta títulos y ganadora del concurso literario de Página 12 a los ochenta y seis años. La vida de esta impactante mujer no parece real.

Presentado en el marco de la 6° Edición del Ciclo de Cine Documental Político Argentino y Latinoamericano, por la Videoteca Universitaria SEU de la U.N.M.d.P.. El Ciclo cuenta con el apoyo de ADUM.

En el mes de agosto, se exhibirán también:

12/8: SEGUNDO SUBSUELO de la marplatense Oriana Castro y Nicolás Martinez Zemborain sobre un centro clandestino de detención en pleno centro porteño, y

26/8: REINA DE CORAZONES de Guillermo Burgandi, sobre una Cooperativa de Teatro Trans que nace con el objetivo de sacar a las chicas de la prostitución.

Coordinacion y programación: Fernando Rodriguez-

Trailer: Beatriz Portinari- Un documental sobre Aurora Venturini

https://www.youtube.com/watch?v=G2-0nSdV78U

Veinte ciudades, paisajes, territorios para convivir o sobrevivir. O tal vez como atmósfera ideal para la creación, la dispersión, el momento lúdico. Veinte ciudades a través de un grupo de películas donde ese espacio real o reconstruido adquiere protagonismo, pertenencia física, fusionando sus características a las de los personajes, convirtiéndose en una perfecta mutación de ambos. Se verán films de Fernando Birri, Vera Chytilova, Francis Ford Coppola, Abel Ferrara, Rodolfo Kuhn, Carlos Saura, Volker Schlöndorf y John Waters, entre otros.

Películas

JUEVES 1
19:00 Pasaron las grullas, de Mikhail Kalatozov
23:00 Sostiene Pereira, de Roberto Faenza

VIERNES 2
24:00 La mujer poseída, de Andrzej Zulawski

SÁBADO 3
23:30 Venecia Rojo Shocking, de Nicolas Roeg

DOMINGO 4
22:00 Locas margaritas, de Vera Chytilova

JUEVES 8
19:00 Rio, 40 grados, de Nelson Pereira dos Santos
23:00 La estrategia del caracol, de Sergio Cabrera

VIERNES 9
24:00 Golpe al corazón, de Francis Ford Coppola

SÁBADO 10
23:30 El rey de Nueva York, de Abel Ferrara

DOMINGO 11
22:00 ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, de Emir Kusturica

JUEVES 15
19:00 Los inundados, de Fernando Birri
23:00 Bucarest 12:08, de Corneliu Porumboiu

SÁBADO 17
23:30 La virgen de los sicarios, de Barbet Schroeder

DOMINGO 18
22:00 Los jóvenes viejos, de Rodolfo Kuhn

VIERNES 23
24:00 El silencio, de Ingmar Bergman

SÁBADO 24
23:30 Polyester, de John Waters

DOMINGO 25
22:00 Morir en Madrid, de Frédéric Rossif

JUEVES 29
19:00 Comencemos de a tres, de Massimo Troisi

SÁBADO 31
23:30 25 watts, de J. P. Rebella y P. Stoll

DOMINGO 1 de septiembre
22:00 El tambor, de Volker Schlöndorff

General: $110.
Estudiantes y jubilados: $55.
Estrenos internacionales
y películas con música en vivo: $160.
Estudiantes y jubilados: $80.
Abono: $550.
Estudiantes y jubilados: $275.
+54 11 4808 6500
[email protected]

Este fin de semana se presentan las dos últimas funciones de El Gran Truco en Paseo La Plaza, a cargo de la Kompanía Romanelli de Uruguay.

Protagonizada por marionetas gigantes y pequeñas, en el entorno de un escenario oscuro iluminado con luz negra sobre trajes fosforescentes, la obra se estructura en sucesivos números de circo: malabares, equilibrio y otros bellos e increíbles actos son introducidos con grandilocuencia por el maestro de ceremonias. En medio de su tarea, éste sufre la continua interrupción del niño Olé, asistente de escenario, quien busca interpretar su propio número de magia. La intriga sobre el éxito o el fracaso de su cometido se mantiene hasta el final.

El Gran Truco es una pieza fresca, con un delicado diseño de figuras y una puesta minimalista, con los personajes y objetos justos para sugerir la escena y los tópicos del circo sin caer en decorados tradicionales ni en la saturación del fluo. Hay toques de humor presentes tanto en el texto de los entreactos como en las escenas de malabares, que se disfrutan a toda edad.

La Kompanía Romanelli utiliza la técnica de manipulación de marionetas mediante varillas manejadas por los titiriteros en escena desde atrás de los muñecos, propia del teatro japonés Bunraku. Y la combina con la técnica del teatro negro de Europa del Este que invisibiliza a los actores vestidos de negro, al tiempo que resalta los colores fluorescentes del vestuario y la escenografía.

Al finalizar la obra, luego de 55 minutos de ficción, los titiriteros salen a saludar y le explican a los espectadores cómo trabajan. Con luz de sala encendida muestras ejemplos de la compleja coordinación que realizan para manejar las marionetas, a razón de dos y hasta cinco actores por muñeco.

La música presenta guiños para los familiares de los chicos que transitaron su infancia y juventud entre los 70s y los 90s, quienes a su vez rememoran las puestas de las compañías checas de teatro negro y del Grupo de Titiriteros del Teatro Municipal General San Martín donde Ariel Bufano y Adelaida Mangani fueron pioneros introduciendo la técnica japonesa.

Dirección: Martín Romanelli. Elenco: Federico Bordach, Sebastián Ferro, Agustín Hirigoyen, Martín Romanelli, Fabián Príncipi, Andrés Sparpaglione.  Funciones: Lunes a sábados a las 17 y domingos a las 16.30 hs. Hasta el 4/8 en la Sala Picasso del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660,CABA.

Director: Leslie H. Martinson. Protagonistas: Adam West, Burt Ward, César Romero, Burgess Meredith, Lee Meriwether. Guión/Libro: Lorenzo Semple Jr., Bob Kane. Música: Nelson Riddle. Duración: 1h 45min.

Gloriosa adaptación a la gran pantalla del popular cómic de Bob Kane, que ese mismo año y con los mismos protagonistas conocía una exitosa versión en formato de serie de TV. Batman y Robin se enfrentan a un grupo de criminales entre los que se encuentran sus eternos rivales: Joker, el Pingüino, Gatúbela y el Acertijo, quienes se han apoderado de un sofisticado artilugio para dominar el mundo.

Único en su especie, con una mezcla bizarra de delitos imposibles, trampas delirantes, ingeniosos gadgets, su manera bizarra de deshacerse de una bomba, el batrepelente de tiburones y su estética pop-psicodélica, se ha convertido en un film de culto irresistible para grandes y chicos.
https://youtu.be/xuYRyef-xf4

La entrada libre y gratuita hasta colmar capacidad de la sala (200 personas). Av. Felix U Camet y Lopez de Gomara. Mar del Plata.

Programación
22 de agosto, 18hs – PROGRAMA 1 – PANORAMA NACIONAL (72 minutos)
-AT YOUR HEELS de AZUCENA LOSANA (2017,2:36 min.)
-AUDACIA DEL TIEMPO de MARCELA ALCALDE (2017, 3:07min)
-359 DIAPOSITIVAS de LEONARDO ZITO (2013-2016, 3:36 min.)
-LINEAS de CARLA MORICHETTI (2018, 7:26 min.)
-PIFIES de IGNACIO TAMARIT (2016,4 min.)
-AFUERA de GABRIELA GOLDER (2016, 4:00 min)
-EXPERIMENTO DESDE EL OCCIDENTE N°1 de YAELA GOTLLIEB (2017, 6 min.)
-SIN TÍTULO de BENJAMIN ELLENBERGER (2015, 4:00 min)
-AGUA VIVA de LUCIANA FOGLIO (2016, 7:00 min)
-INTEMPERIE de LUJÁN MONTES (2014, 9 min.)
-MLA PAULO PECORA (2017, 4 min.)
-LA DETERMINACIÓN DEL DEVENIR de MELISA ALLER (2016,4 min.)
-ANTONIA de GUSTAVO GALUPPO & CAROLINA RIMINI (2015, 13 min)

26 de septiembre,18hs  – PROGRAMA 2 – PANORAMA INTERNACIONAL
(73 minutos)
-RODEZ de STEFANO MIRAGLIA (Francia,2017, 3 min)
-SUB TERRAE de NAYRA SANZ FUENTES (España,2017,7 min)
-THE HEADLESS APPEARANCE de BORI MÁTÉ (Hungría, 2017,3 min)
-UTOPIA de KENT TATE (Canadá,2018,3:21 min)
-ERA de SEBASTIAN EKLUND (Suecia, 2016, 7 min)
-NUTRITION FUGUE de PETER LICHTER (Hungria, 2018,4 min) Estreno
-OUT OF REACH (RAIN NIGHT) de PABLO DIARTINEZ Y ERIK PARYS (Bélgica Holanda,2014, 7 min)
-ATHANASIA de Fred L’epee (Suiza,2017,5 min)
-EARTHING MOODS de CAMELIA MIRESCU (Italia,2017, 3 min)
-TRANSPARENT, THE WORLD IS de YURI MURAOKA (Japón,2019, 7min) Estreno
-TERESA de Tânia Dinis (Mozambique, Santo Tomé y principe, Portugal,2017, 5 min)
-THE STREAM VIII de Hiroya Sakurai (japón,2017, 6:54 min) Estreno
-PLUS ULTRA de HELENA GIRÓN y SAMUEL M. DELGADO (España, 2017, 13min)

24 de octubre,18hs – PROGRAMA 3: Presentación del COLECTIVO OBSCURITADS / SCOTT BARLEY -MIKEL GUILLEN -SEBASTIAN WEIDEMANN
(78 minutos)
Muestra curada por Miquel Escudero Diéguez
Premiere en Argentina y presentación exclusiva en Mar del Plata.
Obscuritads es un colectivo cinematográfico internacional formado por artistas que «quieren hacer visible lo invisible al centrarse en las oscilaciones entre el alma y las estrellas, la luna, las mareas, lo que es puro en lo crudo. La luz y la oscuridad son los personajes principales en sus películas «.
-HINTERLANDS (Scott Barley, 2016, 6’45»)
-INTERMISSION (Mikel Guillen, 2017, 9’09»)
-LOS (DE)PENDIENTES (Sebastian Wiedemann, 2016, 23’39»)
-OBATALA (Sebastian Wiedemann, 2019, 6’51»)
-WOMB (Scott Barley, 2017, 16’04»)
-ATONAL (Mikel Guillen,2019, 16’20»)

28 de noviembre,18hs – PROGRAMA 4: LETTERS TO PAUL MORRISEY de ARMAND ROVIRA (España, 2018 – 82 minutos).
Estreno exclusivo en Mar del Plata 
Armand Rovira se lanza a la tarea de filmar cartas para enviárselas a Paul Morrisey, director de Trash, Flesh y Heat, colaborador de Warhol y representante de la Velvet Underground. Usando una cámara de 16mm, reúne una serie de misivas desde distintas partes del mundo, y de personajes dispares.
Premios: Mejor película sección Vanguardia y Género 21 BAFICI 2019- Premio Movistar + a mejor película en D A Film Festival Barcelona 2019– Ganador Vibraciones Festival Internacional de Jóvenes Realizadores (FIJR), Granada 2019– Mejor director Torino Underground Cinefest, Italia 2019.

La obra: Dos mujeres resisten en un teatro abandonado mientras buscan la verdad.Escepticismo y esperanza. Tragedia y comedia. La vida misma.

El cerco de Leningrado: Durante la 2º guerra mundial las tropas nazis sitiaron esa ciudad, cuna de la revolución rusa, durante casi 900 días. La heroica resistencia de todo un pueblo organizado venció al enemigo y marcó el inicio de la derrota del nazismo a nivel mundial.

CET – Centro de Estudios Teatrales-  San Juan 842, Rosario, Santa Fe.

Reparto:
Priscila: Inés Segovia
Natalia: Florencia Pilotti

Dirección:
Rubén Pagura
Diseño de luces: Juan Carlos Rizza
Vestuario: Laura Perales
Confección de vestuario: M.Soledad Bosch
Utilería y ambientación: Lucas Comparetto
Realizacon utilería:Fernando Pilotti
Gráfica y fotografia: Alejandro Martín
Sonido: Santiago Zecca
Música:Charly Pagura
Agradecimiento:Martín Trainer(CEL)

PAGINA 12: https://www.pagina12.com. ar/151474-una-fabula-sobre- los-valores-humanos

¡Reservas con descuento! WhatsApp 341 3 921719

Entradas Online:https://www.eventbrite.com.ar/ e/el-cerco-de-leningrado-3-de- agosto-tickets-52940779296

Por Lorena Sánchez
https://sanchezsacco.tumblr.com/

Esa película que llevo conmigo es uno de esos documentales que buscan reconstruir la historia familiar al tiempo que aportan semblanzas vivenciales sobre algunos tramos de la historia de un país y del mundo.

Qué mejor manera de preservar la memoria que permite bucear el origen de la propia identidad -cuando sin registro sería efímera- que hablar con los protagonistas directos cuando los tenemos vivos y tan cercanos como un familiar.

La riqueza de la memoria oral y su registro directo es bien conocida por los realizadores documentales -y los psicólogos-. Pero muchos de los protagonistas, por evitar el dolor de la evocación, por desinterés o por sentir que no tiene el valor necesario para ser transmitida no comparten sus recuerdos y vivencias. Por suerte muchas veces surge un hijo, un sobrino o un nieto que busca conocer cómo fue la vida de sus antecesores.

Hay en este film, ganador del concurso Raymundo Gleyzer del INCAA, miradas sobre guerra civil española, la inmigración rioplatense, la dictadura argentina y distintas formas de vivenciarlas con resabios del miedo y la censura o la militancia social según cada generación. Lucía Ruiz, montajista egresada de la ENERC, guionista, directora, entrevistadora y narradora va editando retazos de la historia de su abuelo, Pepe, a quien define como un “niño de la guerra”.

Pepe Ruiz debió dejar su Madrid natal emigrando con su madre y su hermana de la Guerra Civil Española, en cuyo bando antifascista se encontraba el padre. Luego de sucesivos viajes por distintos pueblos que los separaron y volvieron a unir, emigraron juntos hacia Argentina. Pero nunca hablaron del tema.

En el 2000 Lucía viajó a París y Madrid con sus abuelos y lo registró con una cámara VHS. Luego del fallecimiento de Pepe fue al re-encuentro de esas imágenes y preguntándose qué quedó de aquella vivencia de su abuelo como niño de la guerra y cómo repercute hoy en sus sucesores el pasado familiar. La nieta busca reconstruir la historia a partir de un nuevo viaje, las entrevistas personales que hizo con su abuelo, con su padre y otros parientes y un archivo familiar y personal de fotos, audios, videos, documentos y objetos. Mientras avanza su propio viaje fílmico va armando un bonito, amoroso y artesanal árbol genealógico con fotos recortadas y objetos a modo de identidad mural.

“El film indaga sobre el pasado de una familia particular y sus intimidades para saltar a las infinitas experiencias que pueden hacernos atravesar un hecho histórico. Yendo de lo personal a lo universal. ¿Qué sabemos de nuestro pasado? ¿Y qué hacemos con eso?”, se pregunta Lucía en el texto de prensa. Y se responde con la creación en pantalla, rodada en las ciudades de Buenos Aires, Madrid y Manzanares, que ahora ella, sus familiares y todos los espectadores pueden llevar consigo.

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“Armá tu propio festival”, es la frase que ornamenta el telón , una invitación a la comunidad a ser parte y a vivir este espectáculo cinematográfico que es un orgullo para nuestra localidad.

Como cada año, la cálida voz de Gabriela Radice se oye en la sala dando la bienvenida a los presentes y celebrando este acontecimiento “ porque el evento lo amerita, es nacional y todo el país tiene que enterarse de lo que pasa en su ciudad, ¡Bienvenida 5ta edición!, celebra Gabriela.

El Intendente de General Pico, Juan José Rainone, estuvo presente y dirigió unas palabras desde el escenario: “Cuando Bichi (presidente de la Asociación) vino a hablar de la idea del festival hace 5 años, lo único que le pregunté fue si era para Pico, siempre me pareció que se trataba de construir un proyecto que nos merecemos , fui uno de los primeros que creyeron en el festival”.

José “Bichi” Angelucci sube a compartir el escenario : “ lo más significativo de este recorrido es ver cómo al principio se presentaron 5 cortos escolares y hoy fueron 80; 2.200 chicos van a participar del festival este año y muchos de localidades vecinas. Nuestra comunidad ha crecido en su amor por el cine”, decía Angelucci presidente de la Asociación organizadora.

Luego del agradecimiento a todos los auspiciantes y colaboradores del evento, Pablo Mazzola, director y programador del festival, se dirige al público presente: “ Tengo los mismos nervios que el primer día”, comienza, para luego contar sobre la programación que aguarda a los espectadores y, agradece especialmente el trabajo realizado por TVCO sobre los directores que estarán participando con su obra.

La gala cierra con el cortometraje “Los rugidos que alejan la tormenta” de l director Santiago Reale, a quien Mazzola presenta como “un director de la pampa extendida que construye verdades de ficción y no ficción y , que formará parte del jurado del cortos nacionales y regionales.

Se invita a los presentes a disfrutar de la película del director piquense Francisco Martín, “La estrella” que se proyectó en la sala del c ine Gran Pampa . Francisco Martín y su hermana Julieta, que es la actríz principal del largometraje, compartieron este momento con el público.

De esta manera se bare camino un evento cultural que fomenta el contacto con las historias que nos definen, la Asociación invita a seguir construyendo el imaginario visual de nuestra ciudad.

Toda la información está en la web: www.picocinefest.com.ar y, en las Redes: @festivalcinepico.

La Competencia Nacional de Cortometrajes está integrada por: Anacronte de Raúl Koler y Emiliano Sette (15´); Anomalía de Federico Bezenzette (5´); Argenchino de Mauro Moreyra (24´); Buenos vecinos de Bruno Ulla (9´); Charlie Buenos Aires de Tomás Pernich (18´), Crema del cielo de María Liz Siccardi (15´); Dos huevos de Juan Marciano Ferrero (15´); El libro negro de Alsophocus de Alan Slavutzky y Nicolás Montes (10´); El sonido de la campana de Augusto Sinay (15´); El último cuentista de Adrean Ramírez (15´); Fé de Luciano Amadeo Meza (2´); Genekashlu de Natalia Trzcina (10´); Héroes de Juan Pablo Zaramella (3´); Innata de Cristian Bidone (6´); La Diosa de Lisandro Schurjin (11´); Listo el pollo (Restó) de Carlos Fernando Rossetti (9´); Los áridos de Jorge Sesan (16´); Los sapos de Tomás Sposato y Rocío Blanco (12´); Media hora de Sebastián Rodriguez (10´);  No faltes, Mili de Carla Gutierrez Yañez (13´); ¿Quién es Mei Li Galván? de Sofía Medrano (13´); Severino de Gastón Calivari (15´); Teteras de Dora Schoj y Nacho de Paoli (10´); Torito de Laura Litvinoff (12´); Trabajo sucio de Martín Bielinsky (14´); Un deseo de Agustina Claramonte (18´); Un pobre Dios de Rodolfo Pastor (12´); Una cabrita sin cuernos de Sebastián Dietsch (14´); Uno de vampiros de Nicolás Sparnocchia (2´); Yo maté a Antoine Doinel de Nicolás Prividera (8´).

La Competencia Internacional de Cortometrajes está conformada por los siguientes trabajos: An unfinished love de Rami El Harayri – Países Bajos (4´); Are you volleyball?! de Mohammad Bakhshi – Irán (15´); Ashmina de Dekel Berenson – Reino Unido (16´); Azadeh de Mirabbas Khosravinezhad – Irán (10´); Bache khor de Mohammad Kart – Irán (18´); Broccoli de Iván Sáinz-Pardo – Alemania (3´); Carta a Caracas “Los hijos del desastre” de Andrés Senatore – Venezuela (10´); Chernobyl, 1986 de Toni Comas – Estados Unidos (18´); Coffin décolleté de Nancy Kamal – Egipto (6´); Disparue de Joan Bentosela – Francia (13´); Disrupted de Sunyong Bak – Corea del Sur (9´); El jardín de Vero de Miguel Parra – España (18´); Forgive me de Besim Ugzmajli – Kosovo (14´); Khuruf de Kepa Sojo – España (14´); La collection de Emmanuel Blanchard – Francia (13´); Le mot de Mi-Young Baek – Corea del Sur (7´); Luto de Edu Camargo – Brasil (5´); Madariyeko Nilo Dhuwan de Niranjan Raj Bhetwal – Nepal (14´); Maintenant on peut mourir tranquille de Arnaud Guez – Bélgica (3´); Mal trato de Laura Delgadillo – Colombia (11´); Prelazak de Igor Coric – Serbia (7´); Prisoner of society de Rati Tsiteladze – Georgia (15´); Roberta´s living room de Judy Ksuh – Estados Unidos (12´); Seventy de Tong Jiage – China (14´); Soy una tumba de Khris Cembe – España (13´); Stuck option de Pierre Dugowson – Francia (7´); Subway de Carlos García de Dios – España (5´); Supine de Nicole Goode – República Checa (25´); Tanafos de Farshid Ayoobinejad – Irán (13´); Taro de Dani Rebner – España (17´); The crossing de Chris Shaw – Reino Unido (5´); Trópico de Pedro Herrera Murcia – Guatemala (5´); Yesterday will be tomorrow de Stiv Spasojevic – Francia (13´).

Por otra parte, una de las películas invitadas será “La Boya”, dirigida por Fernando Spiner.  En el filme, Fernando viaja al pueblo frente al mar donde pasó su adolescencia para cumplir un ritual que comparte con Aníbal, periodista y poeta: nadar hasta una boya. Pero este año Fernando tiene un plan adicional: hacer un documental sobre Aníbal y su relación con la poesía y el mar. Al indagar en la vida de su amigo, Fernando investiga su propio pasado; ya que Aníbal tuvo una fuerte amistad con su padre, Lito. Antes de morir, Lito le encargó a Aníbal que soltara en el mar una antigua boya.
A través de las cuatro estaciones, la boya une a los amigos, pero a la vez representa para Fernando un enigma familiar.

“Pocas veces en mi vida he tenido entre mis manos una verdad tan potente como me ha sucedido con `La Boya´. Esta es mi propia historia. La de mis antepasados y su épico escape de Ucrania, la inmortal presencia de mi padre que se transformó en poeta siendo un hombre mayor, y la de mi gran amigo que se quedó en el pueblo de nuestra adolescencia sobre el mar.
Todo esto me ha atravesado con una potencia conmovedora que me ha empujado a ahondar en este universo tan especial. Haber tenido el privilegio de hacer esta película fue para mí un acto sanador”, comenta el director sobre su filme.

Las proyecciones se realizarán en el Teatro De La Torre ubicado en la calle Constitución 687 de la ciudad de Pinamar, con entrada libre y gratuita.

El festival de cortometrajes UNCIPAR se realiza gracias al apoyo de la Municipalidad de Pinamar y del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

Acerca de UNCIPAR
En 1972, se fundó la Unión de Cineistas de Paso Reducido (UNCIPAR), teniendo como sede el Teatro Florencio Sánchez, con el objetivo de crear un circuito de exhibición independiente. Realizó su función presentación en el cine Nueva Chicago el sábado 24 de junio de ese mismo año. A partir de esa fecha realizó de manera ininterrumpida muestras, concursos, festivales y jornadas. Apoyó y colaboró en todos los movimientos a favor del cine no profesional y por la recuperación del cine nacional.

www.uncipar.com

Hasta el 31 de julio estuvo abierta la convocatoria e inscripción gratuita para largometrajes y cortos nacionales e internacionales, de ficción y documental, como así también para Work In Progress (WIP) de producciones argentinas y latinoamericanas. Entre los inscriptos, se registraron 1096 títulos nacionales, con 320 largometrajes, 595 cortos y 181 Work In Progress.

Además de las distintas secciones paralelas no competitivas, la programación incluye siete competencias:

– Competencia Internacional de Largometrajes
– Competencia Latinoamericana de Largometrajes
– Competencia Latinoamericana de Cortometrajes
– Competencia Argentina de Largometrajes
– Competencia Argentina de Cortometrajes
– Competencia Estados Alterados
– Work In Progress para producciones argentinas y latinoamericanas en proceso

El único festival de Latinoamérica reconocido como Clase A por la Fédération International des Associations des Producteurs de Films (FIAPF) —categoría que comparte, entre otros, con el de Cannes, Toronto o San Sebastián— promueve la actividad cinematográfica de diversas formas; exhibe películas de diversos orígenes, temática y estilos. En cada edición se presentan nuevas actividades especiales que incluyen proyecciones, homenajes, charlas y talleres, que reúnen a prestigiosas personalidades locales e internacionales.

La próxima edición contará con la continuidad en la presidencia de José Martínez Suárez, la dirección artística de Cecilia Barrionuevo, y la producción ejecutiva a cargo de Carlos Villalba.

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tiene por objetivo presentar una sustancial y enriquecida cantidad de películas extranjeras de largometraje, acompañadas por sus correspondientes representantes, para de esta forma contribuir con el desarrollo de la cultura, el progreso de la industria cinematográfica mundial y su difusión en América Latina. Por otra parte, se propone ser la base de lanzamiento de la industria cinematográfica local y fomentar su desarrollo.

Como parte del Festival, hasta el 31 de agosto se encuentra abierta la convocatoria para la octava edición del Concurso Internacional de Estudios Críticos sobre Cine Argentino «Domingo Di Núbila», orientado a investigadores, docentes, críticos, realizadores, estudiantes de cine y público en general de todo el mundo, que se realiza en conjunto con la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual (AsAECA). Esta edición tiene como eje temático «El cine y el audiovisual en la Argentina: estéticas, problemas historiográficos, autores y estilos, tecnología y medios”, y cuenta con un premio de $25000 y dos menciones. Las bases y condiciones se pueden consultar en www.mardelplatafilmfest.com

]]> http://www.fellinia.com.ar/fantastico-film-de-studio-ghibli-en-el-auditorium/ Thu, 01 Aug 2019 21:30:18 +0000 http://www.fellinia.com.ar/?p=128376 Sigue leyendo →]]> El viernes 2 de agosto a las 16 hs. en el teatro Auditórium, sala Nachman,(Bv. Maritimo 22380,Mar del Plata) en el marco de «A Desaburrir el Invierno«, se proyectará la película «Haru en el Reino de los Gatos» («Neko no ongaeshi», 2002).  Director: Hiroyuki Morita. Guión: Hayao Miyazaki. Animación: Studio Ghibli. Duración: 1h 15 min.

Haru, una estudiante de instituto tímida y poco habladora, posee la habilidad de hablar con los gatos. Un día salva a un gato de ser atropellado por un autobús. El gato, para asombro de Haru, le habla y se presenta como Lune, el príncipe del reino de los gatos. En agradecimiento, los gatos de dicho reino la cubren de regalos y más tarde la llevan a conocer su mundo mágico.

Basado en un manga escrito por el mangaka Aoi Hiiragi. Premio de Excelencia en el Festival de arte de Japón de 2002.
https://youtu.be/Gp-H_YOcYTM

El Festival se llevará a cabo del 1 al 7 de agosto en las dos salas de Cine de la ciudad: Cine & Teatro Pico y Cine Gran Pampa respectivamente.

La gala apertura estará conducida por la reconocida periodista Gabriela Radice, que acompaña al evento desde sus comienzos y que este año suma también a una periodista de Canal 7. Durante la inauguración, se proyectará el cortometraje Los rugidos que alejan la tormenta de Santiago Reale quien forma parte del jurado en la categoría de cortometrajes de esta edición.

Al finalizar la ceremonia, la asociación invita a participar de la proyección de la película “La Estrella” de Francisco Martín, cineasta píquense. “La Estrella es su primer largometraje. Se trata de una producción íntegramente independiente que aborda la vida de Victoria, madre soltera de Salvador, de 8 años, e hija de un fallecido gran boxeador Cordobés. Como protagonista está Julieta Martín, hermana de Francisco, que es actriz y licenciada en teatro, comentó Claudio Mateos productor general del festival. La proyección será a las 22 en la sala del Cine Gran Pampa.

 Obras audiovisuales regionales, nacionales e internacionales sumado a charlas y talleres, dictadas por personalidades destacadas del mundo del cine, son el eje conductor del festival. Este año, además, se suma la sección de Retrospectiva de Esteban Lamothe que contará con la presencia del actor.

“Es objetivo del Festival fortalecer la actividad audiovisual y estimular a la formación de audiencia nutriendo y dando herramientas para el acto cinematográfico a toda su comunidad, fomentando de esta manera un estímulo a la industria audiovisual regional y nacional para su difusión en toda la zona, como así mismo un aporte a la cultura y el turismo nacional”, agrega José Angelucci, presidente de la asociación.

Esta 5ta. Edición propone hacer y sumar cultura desde el espacio de entretenimiento, comunicación y reflexión. La Asociación invita a ser los protagonistas de este Festival. “En el sitio Web podrán informarse acerca de todas las actividades y películas que forman parte del mismo, e inclusive cada persona podrá armar su propia grilla eligiendo e imprimiendo el listado de las películas seleccionadas, el valor de las entradas es de $80 anticipadas y, $100 al momento de la función¨, dice Angelucci. (http://www.picocinefest.com.ar/2019/)

A partir de este momento, muchas historias están esperando ser contadas. General Pico se proyecta, a través del cine, a todo el país.