por Lorenzo Peroni (*)
Películas como La Aventura, La Noche, El Eclipse y El Desierto Rojo han hecho de Michelangelo Antonioni un maestro del cine admirado y estudiado en todo el mundo. No solo un director, sino un verdadero poeta. Películas como estas representan plenamente su sensibilidad artística y visual. «Hay cine, dijo Antonioni, que encarna la experiencia de todas las otras artes y las usa libremente, como le gusta. Creo que es importante hoy en día que el cine se vuelva hacia esta forma interna, hacia estas formas absolutamente libres, […] así como la pintura que llega a la abstracción es libre «. La obra de Antonioni representa perfectamente la dinámica de la crisis, por lo que sigue siendo un cine de gran relevancia y fuerza poética.
Imaginación, fantasía y la creatividad pueden dar su máximo precisamente en tiempos de grandes cambios, de crisis y, por lo tanto, de un gran dolor. Cuando las personas se encuentran aisladas (de sus lugares, de sus comunidades, a veces incluso de su propia humanidad) se vuelven más vulnerables a los procesos de interioridad, en todas sus formas. Por lo tanto, en sus películas, los personajes a menudo se encuentran en una situación de alejamiento del mundo que los rodea, a veces incluso por sí mismos, porque son los protagonistas involuntarios de cambios mayores que ellos.
En equilibrio entre pasado y futuro. El director representó la contemporaneidad de sus películas (la década de 1960) escenificando mundos divididos entre pasado y presente, entre libertad y alienación. Lo hizo mediante el uso experto de citas artísticas, arquitectónicas y literarias. Antonioni fue un gran hombre de cultura, un gran amante y experto en arte: «Soy un amante de la pintura. Es una de las artes que, con la arquitectura, viene a mí inmediatamente después del cine, como una escala de intereses. […] es algo que me apasiona, que me gusta. Entonces, creo que toda esta sensibilidad la he asimilado un poco «. Era, por ejemplo, un gran admirador de Renato Guttuso, Emilio Vedova, Emilio Scanavino y Mark Rothko, de quienes también se convirtió en coleccionista y amigo.
En sus películas, el director no utiliza citas y sugerencias derivadas de la pintura, la arquitectura y el diseño solo para la belleza, sino que las convierte en una parte integral de su lenguaje cinematográfico. Los usa para hacer sus historias, sus personajes, los dramas silenciosos de sus protagonistas más poderosos.
Antonioni usa lenguajes pictóricos para construir sus mundos cinematográficos de varias maneras. Al enmarcar directamente ciertas obras para sugerir un contexto particular, o mediante el uso más abstracto de las estructuras cinematográficas (primeros planos descontextualizados, juegos de espejos, fondos de color monocromáticos) que le permiten trabajar en la narrativa para deconstruir: todo es siempre incierto, la ambigüedad es reina soberana.
Del lenguaje del barroco es uno de los que Antonioni extrajo más, en contraste con el modernista. La Aventura ve a sus protagonistas, Sandro y Claudia (Monica Vitti, la gran musa del director), vivir una existencia en un mundo dividido por la mitad. Admiran la arquitectura barroca de Noto y sueñan con la libertad (imaginada) que existió en el pasado, en contraste con la incipiente industrialización que los rodea y los sofoca.
Construir especulaciones es atacar el paisaje, desfigurarlo y hacerlos prisioneros. El renacimiento económico después de la Gran Guerra es una verdadera revolución, la industria galopa y los puntos de referencia, barridos por el conflicto, ahora están molestos. Italia es entonces un país completamente diferente.
Estos son los años que el director trae a la pantalla grande, esos años de renacimiento en los que se esconde el drama de una (nueva) sociedad moderna que debe adaptarse a dinámicas socioeconómicas (y culturales) completamente nuevas, sin instrucciones de uso. Las relaciones entre las personas se desestabilizan. En la incertidumbre de lo nuevo que avanza se presenta la soledad.
La filmografía de Antonioni es un verdadero fresco sobre la «crisis individual» que se abre paso en una sociedad italiana (pero no solo) en la que los horizontes están distorsionados. El mundo y sus valores están abrumados por una confusión global, el sistema político y económico es nuevo, la tecnología avanza, la industrialización se vuelve más compleja y politizada. Es la década de 1960, pero es una descripción que podría encajar perfectamente incluso hoy.
Mientras que en La Aventura predomina la arquitectura barroca (como un faro de valores perdidos), en sus películas posteriores encontramos en el centro la modernidad de los grandes centros: Milán y Roma con sus nuevos barrios, Ferrara luego, en el Desierto Rojo, con los suburbios , caldo de cultivo para la industria. El vidrio y el concreto son los protagonistas crueles y silenciosos de los nuevos espacios urbanos que solo agudizan el contraste entre la memoria y el presente, haciendo que el futuro ya no sea inteligible. Los hombres y mujeres que se mueven en estos escenarios siguen siendo víctimas de la frustración, la pérdida, la crisis de identidad total. La imposibilidad de relacionarse con el entorno circundante hace que sea imposible para las personas comunicarse entre sí. La pérdida es común, pero se experimenta como personal: todo es subjetivo. Estos son los pueblos fantasmas de Chirico y Sironi.
Incluso Giuliana (inolvidable Mónica Vitti), la protagonista de El Desierto Rojo, vive un camino que la lleva al aislamiento y la introspección. Su lucha contra la depresión es un viaje en el que debe aprender a trasladarse dentro de su propia existencia, con nuevos valores, nuevas perspectivas. En este sentido, El Desierto Rojo, en términos de imágenes y estructura, es la más abstracta de las películas de Antonioni, la que está más influenciada por el lenguaje modernista del arte. La narración se vuelve aún menos clásica que en películas anteriores, procede a través de elipses y yuxtaposiciones, acciones fragmentadas. Con este lenguaje, Antonioni aumenta la sensación de desconcierto y desapego.
© Lorenzo Peroni, Arts Life,22/04/2020.
traducción y adaptación por Jorge Cappelloni
/ MDQ 2010-2022